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Digitale Illustration
Obwohl ich mich ursprünglich nicht besonders für digitale Kunst interessierte, hat sie mir im Laufe der Jahre immer mehr gefallen.
Vor allem durch mein Game-Design-Studium ist das digitale Zeichnen zu einer elementaren Fähigkeit geworden, die es zu erlernen gilt.
Da meine Zeit zum Zeichnen aktuell stark begrenzt ist und ich oft unterwegs bin, greife ich immer häufiger zu meinem IPad.
Ich arbeite derzeit mit einem IPad Pro, 12,9″ (2017) und einem Apple Pencil der ersten Generation, um die meisten meiner Zeichnungen zu erstellen.
Aufgrund der großen Nachfrage habe ich ein eigenes Pinselset für Procreate mit 12 Pinseln geschaffen, die ich ständig in meinen Werken verwende.
Its a wonderful brush set! It made me reconsider Procreate because it feels like CSP while using these brushes and thats what i have been looking for. I can’t use CSP on my pc often and I am so happy I found these brushes for Procreate. And the blending ones are just wonderful too!
Arvy
über Etsy
Layout
Meine Artbook-Projekte wurden im Laufe der Jahre immer komplexer und ich brauchte schon bald ein richtiges Layoutprogramm.
Obwohl ich nie eine professionelle Ausbildung in Grafikdesign hatte, genieße ich es wirklich, zu sehen, wie meine Werke im Affinity Publisher zusammengeführt werden, während ich meine nächste Kunstsammlung erstelle.
Videobearbeitung
Um meinen Prozess und das Material hinter den Kulissen zu teilen, nehme ich beim Zeichnen und Malen Making-of-Videos auf.
Der Vorgang dauert normalerweise einige Stunden. Deshalb verwende ich verschiedene Apps zum Bearbeiten, Schneiden und Beschleunigen meiner Videos, um sie verständlicher und Social-Media-freundlicher zu machen.
Die meisten TikTok-Videos und Instagram-Reels bearbeite ich direkt über CapCut auf meinem Handy. Für komplexere Videos verwende ich Magix über meinen PC.
traditionelle Illustration
Traditionelles Zeichnen und Malen hat mich die meiste Zeit meines Lebens begleitet. Daher habe ich viele verschiedene Techniken ausprobiert und bin bei den meisten geblieben, die ich ausprobiert habe.
Ein klares Lieblingstrio ist jedoch jenes, welches ich zum Skizzieren verwende: Hahnemühle Nostalgie-Papier, Druckbleistifte (Uni Kuru Toga & Pentel Orenz, je feiner desto besser) und Mono-Radiergummis lassen mich nie im Stich. Ich verwende hauptsächlich die härteren Bleistiftminen (B-2H) in den Größen 0,2 bis 0,5.
Was das Kolorieren angeht, hat jedes Medium seine Vor- und Nachteile. Verschiedene Qualitäten, die für die eine Illustration besser geeignet sein könnten als für die andere.
Wenn man beispielsweise einen einfarbigen Bereich erstellen möchten, ist die Verwendung von alkoholbasierten Markern viel einfacher als die Verwendung von Aquarell. Für formlose Strukturen und Texturen ist es jedoch einfacher, stattdessen Aquarell zu verwenden. Deshalb mische ich sehr gerne verschiedene Medien, darunter vor allem:
Aquarelle
(Schmincke Horadam, ShinHan PWC, Old Holland, Mijello, Daniel Smith, Winsor & Newton, Jazper Stardust, Prima Marketing, Kuretake Gansai Tambi, [Finetec Pearlcolors])
Obwohl ich erst vor ein paar Jahren begonnen habe, Aquarell als eines meiner Hauptmedien in meine Technik einzuführen, hat es mich aufgrund seiner Vielseitigkeit wirklich überzeugt.
Es lässt sich leicht verblenden, erzeugt eine schöne Textur, ermöglicht subtile Farbveränderungen und transparente Schichten und bietet eine extrem große Farbpalette. Mit einer Grundausstattung von nur einer Handvoll Farben können Sie noch viel mehr kreieren. Dies macht es sehr budgetfreundlich. Der Nachteil der Transparenz besteht darin, dass es schwierig ist, dunkle und gleichmäßige Farben auf das Papier zu bringen, und dass es ziemlich lange dauert.
Ich persönlich bin ein ziemlicher Sammler und habe keine Lust, jedes Mal zu viel zu mischen. Daher ist mein Aquarell-Set definitiv etwas größer. Was Marken betrifft, habe ich keine wirkliche Präferenz, solange die Qualität stimmt. Das Gleiche gilt für die Pinsel, die ich verwende.
Marker auf Alkoholbasis
(COPIC, ShinHan,
Graphmaster &
Stylefile-Marker)
Meine ersten Marker habe ich 2005 zu Weihnachten bekommen und seitdem nie mehr weggelegt. Marker funktionieren ganz anders als Aquarellfarben oder andere Nasstechniken. Was ich an ihnen wirklich schätze, ist das, was den Aquarellfarben fehlt: Man kann mit der richtigen Technik und dem richtigen Papier eine gleichmäßige Farbschicht ohne Streifen auftragen und die Farben können richtig satt und dennoch transparent wirken. Auch die Mischbarkeit ist großartig.
Im Gegensatz zum Aquarell lassen sich Fehler nicht so einfach korrigieren und die Arbeit mit Markern erfordert mehr Präzision. Die meisten Marker auf Alkoholbasis sind ziemlich teuer und man benötigt eine ganze Menge davon, um ein gutes Startset mit guten Möglichkeiten zum Mischen von Farben zu erhalten. Ich würde Künstlern, die es ausprobieren wollen, immer raten, sich ein paar Grautöne zuzulegen. Damit kann man komplette Illustrationen erstellen und die Marker testen, ohne eine große Investition tätigen zu müssen.
Deleter Kent BK, Lana Bristol, Mondi Color Copy (ähnlich wie die anderen, aber viel günstiger)
Buntstifte
( Faber Castell Polychromos (Allrounder, weder zu weich noch zu hart) Caran D'Ache Supracolor II (etwas härter, daher ideal für Präzision + Linearts) )
Buntstifte eignen sich hervorragend für Details, subtile Farbveränderungen und ein sehr kontrolliertes Mischen. Mit ihnen können Bereiche repariert werden, die kleinere Mängel aufweisen. Ich verwende sie eher bei Zeichnungen mit trockenen Medien als bei Zeichnungen mit gemischten Medien, da die Papierstruktur manchmal zu stark hervortritt, um meinen Qualitätsstandards zu entsprechen.
Sie sind auch ein großartiges Werkzeug, um weicher aussehende Linearts zu erstellen.
Es gibt viele verschiedene Marken von Buntstiften, die alle unterschiedliche Eigenschaften und Farbpaletten aufweisen. Vor allem aus diesem Grund verwende ich ziemlich viele Marken in Kombination.
Posterfarben
Ich habe etwas über Posterfarben erfahren, indem ich über japanische Anime-Studios wie Ghibli und die Art und Weise, wie sie die wunderschönen Landschaften für ihre Animationen erstellen, gelesen habe.
Posterfarben können ähnlich wie Aquarellfarben verwendet werden, allerdings sind sie deckend, wenn sie nicht mit viel Wasser aufgetragen werden. Posterfarben trocknen meist matt und man kann damit auch eine gleichmäßige Farbschicht erzeugen. Dank ihrer Deckkraft können Sie über andere Farben malen. Ich mag sie wirklich, wenn es darum geht, Hintergründe zu erstellen und Fehler zu beheben.
Die vier oben genannten Medien sind die Kernkomponenten meiner Mixed-Media-Technik mit nassen und trockenen Medien. Es gibt jedoch Situationen, in denen ich noch mehr Medien wie Pan Pastels für größere und leichte Farbverläufe und Farbverschiebungen verwende. Manchmal verwende ich dasselbe Medium, trage es aber anders auf, z. B. mit einer Airbrush. Es macht auch sehr viel Spaß, mit nicht-traditionellen Künstlermaterialien wie Stempeln und Washi Tape zu spielen.
Was den traditionellen Lineart angeht, mag ich alles, von Multilinern über Tinte bis hin zu normalen Kugelschreibern und Finelinern. Mir ist es wichtig, eine Vielfalt zur Hand zu haben, damit ich für jede Situation die beste Kombination auswählen kann.
Draw this again: 2009 | 2019
Von Zeit zu Zeit schaue ich mir meine älteren Kunstwerke noch einmal an und zeichne sie noch einmal, um zu sehen, wie sehr ich mich im Laufe der Zeit verbessert habe.
In diesem Fall bin ich zu meiner alten Animexx-Galerie zurückgekehrt und habe dieses „Juwel“ gefunden, das ich 2009 erstellt habe.
Zu diesem Zeitpunkt interessierte ich mich bereits für digitale Kunst, beschäftigte mich aber nicht wirklich damit und malte in den folgenden zwei Jahren nur eine Handvoll Gemälde wie das links.
Als ich noch einmal ein ähnliches Stück zeichnete, wollte ich die Farben und Proportionen insgesamt verbessern und alles präziser wiedergeben.
Starting out
Für diese Neuzeichnung habe ich mit einer groben Skizze begonnen.
Durch das Skizzieren kann man seine Vision zum Leben erwecken und Dinge gründlich planen, ohne Zeit und Mühe zu verschwenden. Was das Malen betrifft, kann das Gleiche auch mit Formen anstelle von Linien erreicht werden.
Ich konstruiere das Gesicht, indem ich die Proportionen im Hinterkopf behalte. Zum Skizzieren in Clip Studio Paint verwende ich gerne Bleistifte mit Neigungsunterstützung.
Ich habe nur die Gesichtszüge skizziert, da ich die Haare lieber später durch Formen definieren will(Schritt #1).
Ich dupliziere die Skizze und füge dazwischen eine weitere neue Ebene hinzu. Ich bewahre immer gerne eine Sicherungskopie der Skizze auf, für den Fall, dass etwas nicht funktioniert und ich zurückgehen möchte.
Introducing some color
I picked a gouache brush and blocked in some first colors on the recently created new layer (Step #2).
The secret to a appealing digital artwork is to keep a nice balance between sharp and soft edges. Referencing photos can help you get a grasp of what kind of colors to pick. One tip that really helped me out is getting to know where to add warm and cool colors. I apply them with the help of a layer in “color” mode with a quite low opacity.
Facial color zones
Darüber hinaus verfügt das Gesicht über drei Gesichtsfarbzonen. Wenn man es vereinfachen möchte, kann man sagen, dass die Stirn einen gelben Farbstich hat, die Mitte einen rötlichen Farbstich hat und im Kinnbereich Blau-/Grautöne unterschwellig erkennbar sind. Ich persönlich mag es, die Rottöne hervorzuheben, da ich denke, dass dies dem Charakter, den ich zeichne, Leben verleiht. Sobald ich mit der Basis zufrieden war, verringerte ich die Deckkraft der Skizzenebene und verschmelze sie mit der Basis (Schritt #3). Der nächste Schritt besteht darin, die letzten Spuren der Skizze durch Überblenden zu entfernen.
About highlights and shadows
Glanzlichter und Schatten offenbaren nicht nur die Lichtquelle, sondern verraten Ihnen auch Dinge wie die Textur. Am liebsten betone ich die Wangenknochen und die Augen. Ich verwende oft einen Airbrush in Kombination mit einer „Add Glow“-Ebene bei geringer Deckkraft (Schritt #4).
Adjusting the image
Sobald ich mit den anfallenden Korrekturen fertig bin, füge ich die Ebenen zusammen und arbeite meistens jeweils nur mit dieser einen Ebene. Während ich an der „Sättigungs“-Ebene arbeite, füge ich einigen Teilen der Haut gerne einen Hervorhebungsrand mit einem hohen Kontrast zwischen dem Schatten- und dem Mitteltonrand hinzu. Sie können einige sehr gesättigte neonrote Linien sehen, die ich mit dieser Technik erstellt habe. Die Sättigung der zugrunde liegenden Farben nimmt zu oder ab, je nachdem, wie gesättigt die Farbe auf der Modusebene „Sättigung“ ist. Wenn man die Dinge aufhellen möchte, kann man einfach ein sehr helles Rot, Blau oder eine andere gesättigte Farbe nehmen, um den Bereich leuchtender zu machen, und eine gräuliche Farbe, um zu gesättigte Bereiche abzuschwächen. Wenn man den Eindruck har, dass der Effekt zu stark ist, kann man einfach die Deckkraft der Sättigungsebene verringern.
Painting the hair
Nachdem die Haut größtenteils fertig war, machte ich mich an die Haare. Mit einem großen druckempfindlichen Pinsel habe ich zunächst die Haarmassen gemalt. Dies dient mir als Leitfaden, um mit einigen Linien eine neue Ebene zu skizzieren. Sobald ich meine Schatten und Lichter auf der Hauptebene platziert habe, verschmelze ich sie mit der Haarskizzenebene und beginne mit dem Verblenden und Hinzufügen einzelner Haarsträhnen, damit das Haar nicht klobig, sondern lebendiger und zerzaust wirkt (Schritt #5).
Da die Haarfarbe für meinen Geschmack zu aschig war, fing ich wieder an, mit den Ebenen „Sättigung“ und „Farbe“ herumzuspielen. Ich habe der Mitte etwas Wärme hinzugefügt und sie an den Seiten abgeschwächt.
Devil in the detail
Alle Mittel, mit denen man ohne viel Aufwand eine Zeichnung mehr in Richtung 3D bewegen kann, sind bei einem semirealistischen Stil sehr wertvoll.
Da auf der alten Zeichnung nur die vielen struppigen Haare und das herabströmende Blut zu sehen waren, weil ich versucht hatte, meine Unfähigkeiten zu verbergen, wollte ich nicht unbedingt eine nochmalige Kopie dessen anfertigen, was ich zuvor gemacht hatte. Aus diesem Grund habe ich mich für einen blutigen Kratzer anstelle eines blutigen Auges entschieden.
Im letzten Schritt habe ich das Ohr zusätzlich abgedunkelt, da es viel zu stark hervorstach.
Ich habe das Fell mit Hilfe eines Fellpinsels aus dem Materialkatalog erstellt und es später teilweise mit einem Aquarellpinsel gelöscht, damit die Ränder etwas organischer und weniger künstlich wirken.
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